ARt

Андре ЛАНСКОЙ

Андрей Ланской покинул Россию в 1920 году в рядах отступающей Белой армии. В 1921-м он добрался до Парижа, где и прожил до конца своей жизни. Большое влияние на становление художника оказали его учителя Сергей Судейкин и Александра Экстер. Ланской был постоянным участником парижских Cалонов: Осеннего, Тюильри, Майского, «Новых реальностей».
Ранний период его творчества характеризуется примитивистской трактовкой сюжета в сочетании с яркостью красок и плотностью фактуры. В 1930-х, проникнувшись идеями Василия Кандинского и Пауля Клее, Ланской постепенно переходит от предметного искусства к абстрактному, главным объектом его произведений становится цвет. Благодаря удивительному колориту и ритму его живописных работ художника называют «творцом цвето-света». Помимо живописи, Андрей Ланской создавал коллажи, мозаики, эскизы ковров, иллюстрировал книги. Среди его книжных проектов: «Кортеж» Пьера Лекюира (1959), «Записки сумасшедшего» Н.В. Гоголя (не окончен), «Книга бытия» (1966).
Спустя 30 лет после смерти художника его искусство наконец-то было показано в России: в 2006 году ретроспективные выставки Ланского прошли в ГМИИ им. А.С. Пушкина и Государственном Русском музее

ИСААК ПАЙЛЕС

Окончив Киевскую художественную школу, Исаак Пайлес отправился для продолжения образования в Париж, где с 1913 по 1915 год изучал скульптуру в частных мастерских. После возвращения на родину он стал принимать активное участие в местной художественной жизни, прежде всего, в деятельности еврейских творческих организаций. Его работы были экспонированы в рамках 1-й Еврейской художественной выставки в зале Культур-Лиги в Киеве в 1920 году. В этом же году Пайлес эмигрировал во Францию. Начал выставляться на выставках и салонах. Входил в круг русских художников так называемой Парижской школы. Был дружен с Кикоиным, Кременем, Цадкиным, Ханой Орловой, Мане-Кацом и другими художниками Монпарнаса. Участвовал в выставках русских художников. Выставлялся в галерее Макса Кагановича, с которым учился в Киеве. В 1928 прошла первая персональная выставка.Во время войны скрывался в центре Франции. После войны состоялись крупные персональные выставки в Нью-Йорке в 1950, 1963 и 1975 (в Университете Иешива) и Париже в 1958. Излюбленными сюжетами его произведений фигуративного периода были виды Парижа, пейзажи юга Франции, Корсики, артисты и музыканты. Хрупкий мир настольгических воспоминаний на его холстах переплетается с миром художественных ассоциаций и образов. С конца 1940-х годов в живописи Пайлеса тали преобладать абстрактрые мотивы, и именно как мастер нефигуративного искусства он достиг наибольшего признания.

СЕРЖ ПОЛЯКОВ

Серж Поляков (Сергей Георгиевич Поляков)
Родился в Москве 8 (20) января 1900 в семье владельца конного завода. Уже подростком рисовал и хорошо играл на гитаре. После Октябрьской революции 1917 перебрался в Тифлис, где аккомпанировал на концертах своей тетки, исполнительницы русских и цыганских романсов Насти Поляковой. Выступал вместе с ней в Константинополе, Софии, Белграде, Вене и Берлине. В 1923 обосновался в Париже. Зарабатывал на жизнь игрой на гитаре и балалайке в русских кабаре. Серьезно занялся изобразительным искусством после 1929; занимался в академиях Фрошо и Гранд Шомьер, в частности у О.Фриеза. Продолжил художественное образование в Лондоне, где жил в 1935–1836.
В 1940-е годы приобрел известность как живописец. Начало творческой зрелости Полякова совпадает с началом его «беспредметного» периода. Сумел окончательно отказаться от заработка эстрадного музыканта лишь в 1952 – после того, как заключил долгосрочный контракт с парижской галереей Бин. Перепробовав разные авангардные манеры – преимущественно в жанре натюрморта, – пришел к уникальному стилю, выделявшемуся на фоне иных разновидностей абстракционизма, ставшего в 1950-е годы доминирующей живописной модой. Его картины, с их контрастами крупных, геометрически – но не строго, а мягко и прихотливо – очерченных цветовых зон, решены обычно в общем теплом, красновато-желтом, «золотистом» регистре (таковы безымянные, как это было у него принято, «композиции» 1954–1958 в собрании Городского музея современного искусства в Париже). Они привлекают не психологической экспрессией либо энергией мазка, а именно декоративным «излучением» своего колорита. Придавая кардинальное значение цвету, Поляков стремился создавать собственные краски, особым образом подготавливая и смешивая пигменты, а также уделяя большое внимание живописным фактурам.
Помимо картин часто обращался к гуаши и цветной литографии; использовал и технику коллажа. В 1957 оформил в абстрактной манере балет Контрапункт М.Констана (труппа Р.Пети).

ЛЕОПОЛЬД СЮРВАЖ

По отцу – финн, сын хозяина фортепианной фабрики. Родился в Российской империи, крещен как протестант. Учился коммерции, брал уроки фортепиано. В 1886 потерял мать. В Московском училище живописи, ваяния и зодчества учился у Коровина и Пастернака. Был близок к кругу журнала Золотое руно, познакомился и начал выставляться вместе с Архипенко, братьями Бурлюк, Ларионовым, Гончаровой. Приехал с женой в Париж в 1908, После переезда в Париж художник работал в мастерской Матисса (1908–1910). В 1910 выставлялся в Москве вместе с группой Бубновый валет, в 1911, при содействии Архипенко, несколько его вещей были представлены на парижском Осеннем салоне.
Занялся проблемами синтеза цвета и ритма, пытался соединить их с техникой кино, предвосхитив поиски Ханса Рихтера и Викинга Эггелинга в области абстрактного кино и поиски абстракционизма в целом. С 1917 делил в Париже студию с Модильяни. Первая персональная выставка состоялась в 1917 при поддержке Аполлинера. Испытал воздействие Шагала. В 1921 участвовал в коллективной выставке Мастера кубизма. После 1922 двинулся от кубизма к неоклассицизму. Сотрудничал с Русским балетом Дягилева, оформлял постановку оперы Стравинского Мавра в парижской Опера (1922). Сотрудничал с Луи Жуве. В 1927 получил французское гражданство. Занимался гобеленным искусством, рисунками по тканям, работал на фирму Chanel (1933). К концу 1930-х сблизился с Андре _Массоном, в его творчестве усилились фантастические и аллегорические мотивы. В 1937 принимал участие в оформлении Всемирной выставки в Париже. В 1950-1960-х годах занимался в основном монументальной живописью.

СЕРГЕЙ ШАРШУН

В 1905 Шаршун поступил в Казанское художественное училище, где, по собственному признанию, открыл для себя живопись, и начал писать лирические пейзажи. Отец противился увлечению сына и Шаршун сбежал в армию, а в 1909 переехал в Москву, где попал в среду столичной художественной богемы, познакомился с французским фовизмом, немецким экспрессионизмом и стал их последователем, учился в московской мастерской И. И. Машкова. В 1911 художник уехал в Париж, где посещал академии Марии Васильевой и La Palette. Ходил в Лувр и современные галереи искусства. С началом Первой мировой войны Сергей Шаршун переехал в Барселону. Испано-мавританский стиль с его орнаментальностью и яркими цветами повлиял на метод художника.
После Февральской революции в 1917 Шаршун записался в Русский экспедиционный корпус во Франции, а в 1919, заболев испанским гриппом, демобилизовался и вернулся в Париж, где познакомился с Ф.Пикабиа, Т.Тцара, М.Дюшаном и другими, увлекся дадаизмом, активно участвовал в групповых акциях дадаистов. Под влиянием Озанфана Шаршун заинтересовался еще и пуризмом, писал натюрморты в духе Моранди.
В 1922-1923 художник переехал в Берлин, где начал издавать собственный журнал «Перевоз-дада», который выходил вплоть до 1973. Серж Шаршун также выпускал самиздатовские листовки-композиции с серийными названиями: «Перевоз», «Памятник» и другие. В Берлине Шаршун вошел в круг, близкий галерее «Штурм», где общался с русскими художниками М. Андреенко, К. Богуславской, И. Пуни. Он переходит от «орнаментального кубизма» к «орнаментальному импрессионизму».
С 1930-х годов и вплоть до 1940-х Сергей Шаршун мало занимался живописью, но проявлял активность в литературной среде. Последние двадцать лет основными темами Шаршуна были музыка и вода. Одновременно он продолжал поиски в живописи, связанные с дадаизмом, с сочетанием геометрии и живого образа.

АЛЕКСЕЙ МОРОЗОВ

Алексей Викторович Морозов (род. 1974)
​Скульптор, живописец, архитектор.
Родился в г. Фрунзе в 1974 г.
В 1999 г. окончил МГАХИ им. Сурикова, Факультут скульптуры (творческая мастерская академика Л.Е.Кербеля). Дипломная работа - «Ultima Ratio».
С 2013 г. директор Московского Академического Художественного Училища пам. 1905 года.
С 2014 г. член-корр Российской Академии художеств (член президиума).
Живет и работает в Москве (Россия) и Лукке (Италия).
Работы Алексея Морозова хранятся в собрании Государственного Русского Музея (Санкт-Петербург), Музея Новой Академии изящных искусств (Санкт-Петербург) и в частных и корпоративных коллекциях в России и за рубежом.

АЛЕКСАНДР ЗАХАРОВ

Родился в 1960 году в Москве. В 1980 году окончил Художественное училище памяти 1905 года. В 1982 году был принят в члены Союза художников СССР. В «перестроечные» времена одним из первых обосновался в знаменитом «Фурманном» – расселенном доме в Фурманном переулке, где в художественных мастерских расположились также Мухоморы, Вадим Захаров, Юрий Альберт, Андрей Филиппов, «Чемпионы мира». В конце 1980-х на волне глобальных перемен и увлечения иностранцев советской «перестройкой» Александр Захаров стал широко известен на западе и, подписав контракт с галереей Стюарта Леви в Нью-Йорке, уехал в США. В 1990-х годах регулярно проводил персональные выставки в лучших галереях Сохо. Жил и работал в своей мастерской на Манхеттене.

Владимир ГЛЫНИН

Владимир Глынин начал карьеру фотографа в 1995 году, будучи артистом балета Большого театра. Долгое время большинство его фотографий были посвящены закулисной жизни театра. Позже Владимир начал делать съёмки для глянцевых журналов, в число которых со временем вошли L’Officiel, Harper’s Bazaar, Vogue, Elle, Mercury, Icons, GQ, Maxim и другие.
Фотограф создал ряд рекламных кампаний и промо-съёмок для Большого театра, Музыкального театра им. Станиславского и Немировича-Данченко. И таких брендов, как Angelo Galasso, Alena Akhmadulina, Carrera & Carrera, Chapurin, Carxer, Channel, Grishko, Lucia, Black Label Johnnie Walker, Bacardi Black, Mercedes-Benz, Maybach, Audi, BMW, Nespresso, TAG Hauer и многих других. В съёмках Владимира для рекламных кампаний ЦУМа принимали участие Ева Герцигова, Мила Йовович и Наоми Кэмпбэлл.
Фотограф Владимир Глынин входит в Союз художников России и является лауреатом премий «Серебряный венок» в рамках II Московского международного фестиваля «Мода и стиль в фотографии 2003» в номинации «Лучший молодой фотограф» и «Астра» в номинации «Фотограф года» (2006). Его работы из серии «Сон» были проданы в октябре 2013 на фотографическом аукционе Philips.

НАДя БЛОК

Надя Блок (урожденная Ермолаева-Загоскина) – из прославленной русской плеяды художников первой волны эмиграции и в то же время – последняя прдеставительница легендарной «Парижской школы». Родившивсь в 1925 году, в Болгарии, она выросла на юге Франции, в Марселе. Затем жила в Париже, Женеве, Нью-Йорке. Тем самым жизнь этой художницы может служить прекрасным примером космополитизма в лучшем смысле этого слова. Иначе говоря, жизнь Нади Блок – яркий и наглядный пример благополучной и плодотворной интеграции детей эмиграции в западный мир.
Более полувека художница прожила душа в душу с Александром Арнольдовичем Блохом (литературный псевдоним Жан Бло). Ее супруг – видный французский писатель и критик, родившийся в Москве в 1923 году, - автор нескольких романов и литературоведческих трудов о русских писателях-классиках: Иване Гончарове, Владимире Набокове, Осипе Мандельштаме.
На всех полотнах легко распознать особый подчерк этой художницы – «летучесть» и прозрачность ее кисти, и ту особую вибрацию, которая неизменно чувствуется в произведениях русских мастеров, невзирая на неизбежные, хоть порой и скоропреходящие, воздействия тенденций этой эпохи.
Когда в 2009 году в Санкт-Петербурге появилась на свет замечательная книга Людмилы Волковой «Надины истории» - короткие рассказы о жизни и творчестве франко-русского художника Нади Блока – любители живописи смогли познакомиться, благодаря репродукциям, с ее картинами (1948-2007). При этом, начиная с 1958 года, у художницы суспехом проходил ряд персональных выставок в Женеве, Риме, Париже, Москве.

НИКОЛАЙ ЗАГРЕКОВ

Художественное обучение будущий художник начал в родном городе, сначала в Боголюбовском рисовальном училище, организованном при Радищевском художественном музее (1914-1918), затем в Высших государственных свободных художественных мастерских (1918-1921). В 1921 году Николай Загреков переехал в Москву и поступил во Вхутемас, где обучался у П.П.Кончаловского и И.И.Машкова, а также Д.Н.Кардовского. В 1921 Николай Загреков для продолжения учебы уезжает в Германию, как оказалось, навсегда. В 1922 году он поступает в Профессиональное училище искусства и ремесла Западного Берлина, в класс Г.Бенгена. К середине 1920-х годов Загреков одновременно работает в разных манерах. Он сохраняет пленэрные традиции в пейзаже, но в резких, отрывистых мазках очевидны проявления экспрессионизма.
В конце 1920-х - начале 1930-х к художнику пришло первое признание. Успехом пользовались его портреты, излюбленными моделями которых были спортсменки, художницы, горожанки. Загреков становится штатным преподавателем Профессионального училища искусства и ремесла. С приходом к власти нацистов художник лишился должности преподавателя в училище. В конце 1930-х годов политические условия и в Германии, и в советской России привели к тому, что художник потерял все связи с родиной. В 1945-1948 годах в доме Николая Загрекова размещалась советская комендатура, а самому художнику доверили исполнение 12 портретов советских маршалов, в том числе Г.К.Жукова, К.К. Рокоссовского, а также портреты И.В.Сталина и В.М.Молотова. Он выступал в роли переводчика при общении советских офицеров с представителями городских организаций.
Новый расцвет деятельности Николая Загрекова начался в послевоенные годы. В качестве архитектора он восстанавливал здания разрушенного Берлина, проектировал жилой квартал в городе. В 1960-е годы Николай Загреков становится главным архитектором целого квартала в Берлине. Под его руководством было возведено около тридцати домов.
Творчество Загрекова получило широкое признание. Художник был участником выставок Прусской Академии художеств и Союза берлинских художников, экспонировал свои произведения в Берлине, Париже, Мюнхене, Дюссельдорфе, Штутгарте, Гамбурге, Вене, Парме. Был знаком с крупными политиками Германии, в том числе Вилли Брандтом и Вальтером Шеелем, писал их портреты. Профессор, обладатель звания VIP за вклад в искусство Германии (1973), академик Итальянской Академии искусств (1979), он был награжден высшей наградой ФРГ - почетным крестом за заслуги перед страной в области искусства (1979), а также золотой Евро-медалью за вклад в области искусства и охраны культуры (1980). Был лауреатом премии "Золотая пальмовая ветвь Европы" (1986).
Николай Загреков умер в Берлине в возрасте 95 лет. Он так и не побывал в России, о которой часто вспоминал в последние годы. После смерти художника было создано Общество друзей Загрекова, а в его доме создан музей.

НИКОЛАЙ ИСАЕВ

Живописец, график, сценограф, художник книги.
В начале 1900-х учился в художественных училищах Одессы и Харькова, в 1912 приехал в С.-Петербург. В начале Первой мировой войны поступил в военное училище, в 1916 участвовал в боях на Галицийском фронте и получил ранение. В 1919 эмигрировал в Королевство СХС. В 1920–1924 работал декоратором Народного театра в Белграде, копировал византийские фрески. В 1924 провел в Белграде первую персональную выставку, был награжден медалью.
В 1925 переехал в Париж. В 1925–1926 посещал занятия в мастерской В. И. Шухаева и А. Е. Яковлева. В 1926 провел однодневную персональную выставку. Позже занимался в академии П. Рансона, испытал сильное влияние кубиста Р. Биссьера; некоторое время работал в его мастерской (1938). Писал пейзажи, натюрморты с цветами, рыбами и птицами, портреты. Исполнял декорации для спектаклей театра Ж. Питоева. Оформил павильон Балтийских государств на Международной выставке в Париже (1937). Был дружен с русскими художниками Д. В. Мериновым и Ж. Лебедевым.
Участвовал в парижских салонах: Осеннем, Независимых, Сверхнезависимых, Сравнений и Тюильри, в выставках русского искусства в Брюсселе (1928), Париже (галереи Alice Manteau, 1931, d’Alignan, 1931; La Renaissance, 1932) и Праге (1935), выставках группы «Круг» в Белграде (1931). Провел персональные выставки в парижских галереях S. Lesnik (1928), AtelierMme Margaret Train Embre (1930), La Boёtie (1930). Жертвовал картины в пользу русского юношества (1928), членов Союза бывших деятелей российского судебного ведомства (1935).
В 1940–1945 жил на юге Франции, в Ажене. Вместе с женой укрывал в своем доме партизан и офицеров. Был награжден Крестом Сопротивления (1971). Весной–летом 1945 в Париже участвовал в выставках русского искусства, устроенных Комитетом «Франция–СССР» XIV округа Парижа и Союзом русских патриотов.
После войны путешествовал по югу Франции, Швейцарии, Италии, Испании, написал много пейзажей.
Исполнил фрески и иконы для униатских церквей в Марселе и Страсбурге. Создал иллюстрации к книгам: «Цветы зла» («Les Fleurs du Mai») Ш. Бодлера, «Любовные сонеты» («Amours») П. Ронсара, «Новые, необыкновенные рассказы» Э. По, «Нос» Н. В. Гоголя (экспонировались на специальной выставке в Клубе Поля Валери, 1954). Сотрудничал в журнале «C’est Paris».
Провел персональные выставки в парижских галереях L. Krog (1949), La Boёtie (пейзажи: масло, гуашь, пастель; 1951), Cimaise de Paris (1952, 1953, 1954), Cimaise du Vieux-Colombier (1962), A. Weil (1964, 1968, 1976 – ретроспектива), в нью-йоркской галерее P. Bernet (1957) и др. Участвовал в Выставке европейского искусства в нью-йоркской галерее Achard (1965), выставках «Русские художники Парижской школы» в Доме французской мысли в Париже (1961) и «Русский взгляд» в Гейдельберге (1974). В 1972 с его картины «Восход солнца над Рокёбрюн» была сделана афиша Международной выставки в Базеле, а саму картину приобрел музей Кунстхауз в Цюрихе. Передал несколько своих картин в пользу Св.-Александро-Невского собора.

РОМАН ЭРТЕ

Русский художник, представитель модерна, корифей графического дизайна и знаменитый модельер.
Родился в Петербурге 23 ноября (4 декабря) в семье морского офицера. Отказавшись от традиционной для семьи военной карьеры, обосновался в 1912 в Париже, став корреспондентом петербургского журнала "Дамские моды". Систематического художественного образования не получил; недолго посещал академию Р.Жюльена. Составил псевдоним "Эрте" из первых букв имени и фамилии. В 1913-1914 начал работать как модельер (у известного кутюрье П. Пуаре) и художник сцены (исполнил, в частности, эскизы костюмов для спектакля Маты Хари Минарет в театре "Ренессанс"). Заключил контракт с американским журналом "Harper`s Bazaar" (1915), нарисовав для него в последующие 22 года более ста обложек. Работал также для журналов "Vogue", "Cosmopolitan", "Women`s Home Journal", "The Sketch" и других иллюстрированных изданий США, Англии и Франции. Жил в Париже и Монте-Карло.
Хотя Эрте сотрудничал и с антрепризами классического типа (оформив, в частности, в 1920-е годы целый ряд балетных номеров Анны Павловой и несколько постановок Чикагской оперы), лидирующее значение в его сценографии получил дизайн для эстрадных театров - мюзик-холла "Фоли Бержер" (1917-1927), варьете "Баль Табарэн" и "Ла Нувель Ив", кабаре "Лидо" в Париже, а также для мюзик-холлов Бродвея. С 1925 выступал как художник-костюмер в кинематографе, по контракту с голливудской студией "Метро Голдвин Майер". "Стиль Эрте" - тончайше функционально-продуманный, ритмичный и в то же время экзотически-зрелищный, полный романтических фантазий - явился в межвоенный период важным формообразующим моментом "ар деко" (т.е. модерна, включившего элементы авангарда и ставшего прочным фактором моды и массовой культуры). В качестве кутюрье разрабатывал модели одежды и рисунки для тканей; среди предложенных им (еще в 1920-е годы) реформ костюма особую популярность позднее завоевал принцип "унисекса", однородного моделирования одежды для мужчин и женщин.
В поздний свой период Эрте добавил к привычным техникам (рисунок тушью, акварель, гуашь, литография) скульптуру, которой особенно увлекался в 1960-е годы (беспредметные декоративные композиции из разных материалов). Наряду с модами и театром его рисунки-эскизы охватывали все более широкий круг предметов - от мебели до игральных карт, неизменно превращаемых им в иронические знаки престижа и роскоши. В тот же период создал большие графические серии Цифры и Алфавит, где как бы суммировал характерные орнаментальные элементы своей манеры. Новый интерес к "арт-деко" стимулировал внимание к патриарху стиля: в книжных магазинах разных стран Запада книги, альбомы, постеры и открытки Эрте и об Эрте порой занимали целые разделы. В 1975 в Нью-Йорке и Лондоне вышли английские издания его мемуаров (Вещи, которые помню). Последней работой мастера явились эскизы декораций и костюмов к бродвейскому мюзиклу Звездная пыль (1989).

АЛЕКСАНДР ЛОЗОВОЙ

Александр Лозовой остался в ХХI веке единственным художником, кто непосредственно был учеником русских авангардистов. В 60 – 70 годах он учился в частной мастерской Варвары Бубновой (1886 – 1983), которая была членом «Союза Молодёжи», «Бубнового Валета», «Ослиного хвоста», ИНХУКа, учившаяся вмесе с Филоновым, выставлявшаяся с Малевичем, Маяковским, Татлиным, Родченко и др. Бубнова была женой В. Матвея (Маркова) – авангардиста латышского происхождения жившего в Петербурге.
Отец Александра Лозового - Н.Г. Лозовой (1901 – 1992) в 1920 годах учился у Филонова и Малевича, затем 15 лет был в ссылке. Автор воспоминаний о Филонове. (Experiment, Los Angeles, 1995).
У Александра Лозового находится художественное наследие его отца, а также Бубновой, начиная с 1923 года. Эти работы Лозовой предоставляет время от времени на те или иные выставки, но для продажи они не предназначены.
Александр Лозовой родился в 1949 году. В 1977 году в Ленинграде защитил кандидатскую диссертацию по психологии изобразительного искусства. В 1987 году создал художественную галерею в Москве, в которой в частности проходили выставки работ В. Бубновой, фотографий авангардиста Laslo Moholy - Nagy. Последняя организована совместно с Гётте центром.
Лозовой никогда не состоял в каких-либо творческих союзах, объединениях или политических партиях.
В течение длительного времени Александр Лозовой разработал свою собственную технологию нанесения и закрепления красочных пигментов на холст. Яркость, прозрачность красок, присутствие многих несмешанных между собой пигментов на одном квадратном сантиметре поверхности картины – эта особенность отличает работы Александра Лозового от работ каких бы то ни было других современных художников России, Европы и Америки. На сегодняшний день у Александра Лозового имеется около 100 живописных и около 500 графических работ.
Работы Александра Лозового находятся в Московском музее современного искусства, в частных собраниях в России и за рубежом.
Александр Лозовой автор нескольких книг, статей по изобразительному искусству, неоднократно демонстрировавшихся телевизионных фильмов «Театр одного художника.

АНАТОЛИЙ ЗВЕРЕВ

Родился в Москве, в Сокольниках, в семье инвалида гражданской войны, мать – рабочая. Учился в школе рисованию на уроках художника-графика Н.В.Синицина (ученика А.П.Остроумовой-Лебедевой). В 1954 поступил в Московское областное художественное училище памяти 1905 года, откуда вскоре был исключен за богемно-анархическое поведение.
Участник квартирных выставок 1959—1962 годов. Первая зарубежная выставка — в парижской галерее «Мот» (1965 год).
Творческий путь Анатолия Зверева во многом был вызовом обывательскому «здравому смыслу», полуосознанным самоотторжением от мертвящей казёнщины устоявшихся норм и общепринятых представлений об искусстве. Влияние его новаторского творческого опыта на всю современную живопись ощутимо до сих пор.
Кульминация, максимальный личный взлет его творчества состоялся на рубеже 50—60-х годов и был своего рода живым воплощением духа тогдашних свободных «независимо-подпольных» тенденций в искусстве. Он был несомненным лидером в контексте нонконформизма 60-х. Но он был слишком самим собой, чтобы пленяться любым доктринёрством или групповой ангажированностью, хотя для тогдашнего «андеграунда» путь художника-одиночки был не характерен. Среди большинства художников своего поколения и союзников по независимому искусству он выделяется уже тем, что не вписывается ни в одну из сложившихся там общностей.
Творческое наследие Анатолия Зверева насчитывает более 30 тысяч работ. Разнообразие обстоятельств создания работ художника, материалов при этом использованных и смешение школ делает затруднительным достоверную искусствоведческую экспертизу для отделения настоящих работ от подделок, присутствующих на рынке. В этих условиях «знаточество» становится единственным способом работы над наследием А.Т.Зверева

ЭРИК БУЛАТОВ

В 1958 году окончил Художественный институт имени В.И.Сурикова. С 1959 года работал в детском издательстве «Детгиз» вместе с Кабаковым и Васильевым. Выставочную деятельность в Москве начал с 1957, а с 1973 года уже за границей.
Характерным и узнаваемым творческим методом Булатова является столкновение плакатного текста, выхваченного из контекста советской действительности, с фигуративной (чаще всего пейзажной, заимствованной из массовой печати) составляющей. В результате художнику удаётся предельно доступным образом проиллюстрировать абсурдность действительности, перенасыщенной символикой советской пропаганды.
Помимо работ соц-артовской тематики, ещё в своих ранних работах Булатов разработал теорию взаимодействия картины и пространства. В этих его произведениях заметно влияния Фалька. Сильный, своеобразный этап его творчества, неоцененный по достоинству в контексте истории искусства.
Работы Булатова постоянно выставляются на аукционные торги современного искусства. Так, на аукционе «Филипс» работа «Советский космос» ушла примерно за 1,6 млн долларов, ещё два полотна на советскую тематику, в том числе «Революция — перестройка», были проданы по миллиону долларов за каждое, что сделало Булатова одним из самых дорогих современных русских художников.

ОЛЕГ ВАСИЛЬЕВ

Художник, один из лидеров неофициального искусства 60-70-х годов. Родился в Москве. Учился в художественной школе, затем в Художественном институте им. В. Сурикова (1952 –1958) вместе с Э.Булатовым и И.Кабаковым брал уроки у В.Фаворского. В содружестве с Эриком Булатовым с начала 1960-х Олег Васильев занимался иллюстрированием детских книг для издательств «Детгиз» и «Малыш». Их творческий тандем успешно существовал на протяжении 33-х лет. В этот же период художник начал исследовать возможности живописи как специфического языка. Отталкиваясь от системы Фаворского, он изучал проблему «мира картины», его поверхности и границ, внутренние энергетические токи, преобразование предметов и пространства в пределах холста. В 1965 году Васильев создает первую работу — «Дом на Анзере», которую считает началом своего творчества. Основными темами творчества художника стали воспоминания о доме, дорогах, лесах, полях, друзьях, семье. Васильев и сегодня использует эти темы в своих работах, часто обращаясь к литературным цитатам и аллюзиям — от классической до современной литературы, от Чехова, Фолкнера, Гомера до Всеволода Некрасова и др. Литературные ссылки являются ключом к пространству картины. Многие его работы существуют в последовательности, каждая связана со всеми другими. В 1990 году художник уехал в Америку. Фотореалистическая поэтика Олега Всильева – одно из самых заметных явлений в современной русской живописной культуре. С 1964 – член Союза журналистов СССР. С 1983 – член Московского объединенного комитета художников-графиков. Лауреат премии «Либерти» за достижения в области русско — американской культуры и развитие культурных связей между Россией и США.

ОКСАНА МАСЬ

Оксана Мась – художник с мировым именем, автор более 30 арт-проектов, участник основной программы 54-й Венецианской биеннале искусства с персональным проектом
POST-VS-PROTO-RENAISSANCE, куратором которого выступил Акиле Бонита Олива (Павильон Украины, 2011 г.); участник параллельной программы 55-й Венецианской биеннале искусства с проектом Quantum Prayer на групповой выставке Glasstress (2013 г.); призер 65-го кинофестиваля в Локарно (Приз независимых критиков, 2012 г.).
Произведения Оксаны Мась ассоциируются с такими современными арт-направлениями, как «искусство взаимоотношений», неоэкспрессионизм, digital art и science art.
Работы Оксаны Мась были представлены на аукционах Sotheby’s, Christie’s и Phillips, а также включены в коллекции Московского музея современного искусства, Stella Art Foundation, BREUS Foundation, Joerg Bongartz Collection (Deutsche Bank), Copelouzos Art Museum, Capital Group Art Foundation, Ekaterina Foundation, Victor Bondarenko, Victor Pinchuk Foundation.